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Para Agendar

SABADO 28
Demi Lovato en el Estadio Cubierto Malvinas Argentinas, Gutenberg 350. A las 19.
Bob Dylan en el Teatro Gran Rex, Corrientes 857. A las 21.
Exodus en El Teatro Flores, Rivadavia 7806. A las 19.
Gabo Ferro en La Oreja Negra, Uriarte 1271. A las 21.
Pablo Sbaraglia (a las 22) y María Eva (a las 24) en Boris Club, Gorriti 5568.
Fantasmagoria en The Roxy Live, Niceto Vega 5542. A las 24.
Imperio y Arphegy en The Roxy Live, Niceto Vega 5542. A las 19.
Bicicletas, Timmy O’Tool y Cindi en The Roxy Club, Casares y Sarmiento. A las 24.
Leonchalón en La Trastienda Club, Balcarce 460. A las 20.
La Caldera en el Centro Municipal de Diseño, Algarrobo 1041. A las 21.
Placer, Travesti, Dchampions y dj Nekro en Salón Pueyrredón, Santa Fe 4560. A las 21.
Resistencia Chaco en Ultra Bar, San Martín 678. A las 21.
Tonolec en el CAFF, Sánchez de Bustamante 764. A las 21.
Criminnal en La Roca Bar, San Martín 6656. A las 22.30.
Misceláneo, Rabiosa, Armonauta y Agoma en Club V, Corrientes 5008. A las 23.
Dickshot, Fear Garden, Inmundo y Malkharma (a las 19) y Extrema, Deathwish, Session y Unión Brava (a las 23) en City Bar, Fondo de la Legua 2550, Martínez.
Tributos en Glam, Alvear 68, Salto. A las 23.
Lovorne en Kupinski, Rawson 31, Tornquist. A las 23.
Legendarios 70, Arenas y Sucio Can en Oktubre Bar, Belgrano 286, Garín. A las 23.
Bela Lugosi en Santos Bart Art, Gral. Paz 1601, Bragado. A las 24.
Satán Dealers, Iwánido, El Sapo y Angela Vendetta en Sira Disco Pub, Av. del Libertador 2699, Olivos. A las 21.
Sugar Reverbs y All Played Down en Old Rotten Bar, Juncal 150, Ituzaingó. A las 22.
Los Pérez García en el Auditorio Oeste, Rivadavia 17.230, Haedo. A las 21.
Viticus en Pirkas, Santiago del Estero 883, Neuquén. A las 21.
El Natty Combo y Contravos en el Club Atlético Vito Dumas, Belgrano 633, Tigre. A las 20.
La Mississippi en Abbey Road, Juan B. Justo 620, Mar del Plata. A las 21.30.
No Ves Nada, Sucia Rola y Fane en el Centro Cultural Favero, 117 y 40, La Plata. A las 23.
Sonora Insurgente, Anacrusa y Mambonegro en El Camino, Juan Manuel de Rosas 399, Lomas del Mirador. A las 23.
Guasones en La Trastienda Club, 51 entre 5 y 6, La Plata. A las 21.
Sin Ley en el Auditorio Sur, Meeks 1080. A las 20.
Pez en Santana Bar, Perón 414, Ramos Mejía. A las 22.

DOMINGO 29
La Chingada en Niceto Club, Niceto Vega 5510. A las 21.
Los Bombarderos, Dr. Baraka, Disvastación, Mal Pasar y Fuckdoll (a las 13) y Rispico, No Ves Nada y Viva Elástico (a las 19) en Salón Pueyrredón, Santa Fe 4560.
Tobogán Andaluz, La Práctica de las Llamas, La Banda en Busca de la Oriental, Los Días y Gastón Massenzio en El Emergente Bar, Gallo 333. A las 22.
Boom Boom Kid en Groove, Santa Fe 4389. A las 19.
Niño Azul y Malcom en The Roxy Live, Niceto Vega 5542. A las 19.
Víctor Hamudis Band en República de Acá, Alvarez Thomas 601. A las 21.
Boris Big Band en Boris Club, Gorriti 5568. A las 21.
Buffalo Billys en Chacabuco 947. A las 23.
Fiesta Zizek Club en Niceto Club, Niceto Vega 5510. A las 24.

Fuente: Página12/Suplemento No

Aznar homenajea a Spinetta

El 29, con Puentes Amarillos, concierto gratuito organizado por el Gobierno de la C.A.B.A.


A más de dos meses del fallecimiento de Luis Alberto Spinetta, Pedro Aznar le rendirá homenaje en un concierto dedicado íntegramente a la obra del Flaco. Será el 29 de abril, gratuito, en Plaza Italia, organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad y en el marco de la 38° Feria del Libro.

Entre el sentimiento personal y la trascendencia de las canciones, Aznar armó una primera lista de 40 clásicos, demasiados para un concierto de 90 minutos. Finalmente quedaron 26 de las distintas etapas de Spinetta. "Son canciones trascendentes para mí, canciones que tienen recuerdos personales vívidos y también canciones que son importantísimas, parte del legado de su obra y que sé que la gente quiere escuchar tanto como a mí me encanta tocarlas", señala Aznar. "Por supuesto, en toda selección de una obra tan amplia es inevitable que haya arbitrariedad -agrega el compositor y multiinstrumentista, a punto de lanzar nuevo disco, Ahora-. Si hubiera que tocar la mayoría habría que hacer un megaconcierto y ya se encargó Luis de hacerlo."

Para Puentes Amarillos, Aznar estará acompañado por un nexo de lujo entre él y la obra del genial Flaco: Pomo, el baterista de Invisible y de Spinetta Jade. "Con Pomo nos une una amistad entrañable. Tocamos juntos, fue baterista de mi grupo en los años 80, grabó en mi primer disco solista y en varios más. El es el campeón indiscutible de esta música porque gran parte de estas canciones las grabó él originalmente y con su sello, que es inconfundible. A Pomo le gustó la idea del concierto, de la celebración. El es muy cuidadoso con estas cosas y me dijo que aceptaba porque sabe que yo soy igual de cuidadoso y respetuoso, y porque nos une una gran amistad. Creo que él es un vínculo más entre Luis y yo".

Junto a Aznar y a Pomo estarán el pianista Andrés Beeuwsaert y, como invitada, la cantante Roxana Amed. "En su primer disco, que yo produje, incluimos «Durazno sangrando», así que también hay un vínculo spinetteano con ella."
Como en Quebrado, donde interpretó a sus músicos predilectos o en Aznar canta Brasil, el ex Seru Giran se ofrece como un solista generoso a la hora de revistar otras obras. "Disfruto mucho del trabajo de intérprete. Cuando está bien logrado está a la par del trabajo compositivo como hecho artístico. Mi referente en eso es Mercedes Sosa, que hizo del trabajo del intérprete y del encontrador, entre comillas, de canciones, un arte nuevo. Ella era una comunicadora de autores, canciones y obras y hacía convivir muchos estilos en un solo trabajo."

Fuente: LaNacion.Com/Espectáculos / Foto: Web.

Quiénes son: Todo vuelve

La historia cuenta que Diego Bassi (bajo) y Gastón Ciano (voz) venían de tocar juntos en una banda y al disolverse la misma decidieron seguir y armar un nuevo proyecto. Paralelamente Pablo Landi (batería), Gonzalo y Emiliano Lustemberg (guitarras) también se habían quedado sin banda pero los mantenía unidos una gran amistad.


Entre charlas y rocanroles la relación del quinteto de Paternal creció y mutó en un sueño en común: el nacimiento de Todo Vuelve en marzo del 2008. En septiembre del año siguiente se integra Copito como saxofonista, dando así la pincelada final para que la conformación de la banda fuera una realidad.

¿Qué escenarios pisó Todo Vuelve a lo largo de su carrera?

Gastón: El primer show fue en el Asbury, después vinieron shows en Marquee, Dub Club, Cerveza Club y Niceto. Venimos de ver miles de shows en Obras, ese escenario es el más soñado por nosotros. Pero la realidad es que soñamos con tocar en cualquier lugar y compartir el escenario con otras bandas. Nuestro principal sueño es seguir juntos y llegar a ser una banda reconocida en el país.

Por supuesto no todo es color de rosas cuando se empieza a escribir la historia de una banda…

Gastón: Precisamente recuerdo una vez cuando tocábamos por segunda vez, era el segundo show de la banda, un viernes. Me acuerdo que el entusiasmo que teníamos llegaba al tope porque habíamos vendido casi 200 entradas, llegaban temas nuevos al escenario, así que imaginate! era una noche soñada. Ese mismo día salgo del trabajo y el lugar en el que íbamos a tocar quedaba a tres cuadras de mi casa. Me bajo del bondi, paso por el lugar contentísimo, pensando en que a la noche iba a estar tocando ahí, y me encuentro con una faja que decía clausurado. No sabes mi depresión, tocaba el piso con la pera, me puse a llamar a los chicos, no me creían, se me cagaban de risa, hasta que me escucharon tan triste que me creyeron.Tuvimos que llamar a toda la gente para avisarles, aparte de que a la noche nos tuvimos que quedar en la puerta del lugar para esperar a la gente que no pudimos avisarle, nos comimos alguna puteada, pero por suerte la gente pudo entender la situación.

¿Cuáles fueron sus influencias musicales a la hora de componer?

Gastón: Todos estamos influenciados por el rock, casi todos venimos de escuchar las mismas bandas: Sumo, Los Piojos, Los Redondos, Divididos, Las Pelotas, Los Ratones, etc, etc. Pero también escuchamos bandas nuevas como Salta La Blanca, que es una banda que a mi me encanta. Y de afuera (internacional) los Rolling Stones, The Doors y todas esas bandas que marcaron un camino importante en nuestras vidas. Todos venimos de esa misma ruta rockera que marcaron los grandes del rock nacional e internacional, a los cuales respetamos y respetaremos por siempre.

¿Es difícil como banda independiente grabar un disco y lograr reconocimiento ante la multiplicidad de ofertas musicales que existe en el mercado? 

Gastón: Es muy difícil, cuesta mucho pero el hecho de grabar un disco es un sueño que todo músico quiere cumplir, y con trabajo, sacrificio y humildad se puede lograr.
Hoy hay muchas bandas que luchan por llegar, lo bueno es que se ve una ayuda mutua y no una guerra. Se ve que una banda toma de su mano a otra y así sucesivamente. Ese apoyo es el que se necesita, y son cosas que reconocemos mucho y que valen la pena porque a la larga trae sus frutos.

En pocos días estará en las calles su primer disco de estudio “Destino incierto” ¿De qué se trata el material y dónde lo presentarán?

Gastón: El disco trae doce canciones en las cuales predomina la línea del rock y además tiene un temita lento que fue agregado a último momento para darle un aire al disco. Hay letras que hablan un poco de lo que vivimos y vamos viviendo, otras hablan de historias de la vida, amor y de sueños.

La fecha de presentación es el 30 de junio en el Roxy y será una de las fechas más importantes para la banda. Hay mucha ansiedad y energía por llegar a ese día, queremos que todo salga excelente y que la gente pueda disfrutar de un buen show.

Fuente: Rock.Com.Ar / Foto: Web.

El homenaje de Roxette a Cerati

El guitarrista del grupo tocó un tema de Soda Stereo durante su show en Buenos Aires, ante más de 15 mil personas.


Christopher Lundquist, el guitarrista de Roxette sorprendió en la noche del martes a todo el publico del Luna Park cuando interpretó "de Música Ligera", tema de Soda Stereo, tal vez a modo de homenaje a Gustavo Cerati.

¡Mira el video!


Fuente: TeleShow.Com / Foto: Web / Video: YouTube.

Chocho, de estreno

El grupo presentó el clip de Tips para el amor. El grupo se presentará el 11 de mayo en Lanus, con entrada gratuita.


Tips para el amor es el primer video oficial de Chocho. El clip fue filmado en una peluquería de Belgrano, bajo la dirección de Ezequiel Acuña. El tema es el corte del disco homónimo en el que participan músicos invitados como Facundo Changuito Farías Gomez y Martín "Tucán" Bossa de La Franela, Tomás Justo de Onda Vaga, Julián Srabstein de Michael Mike, Constanza Zerbo de Les Mentettes y Nicolás Mu Sanchez, de Gonzalo Aloras.

Ahora Chocho está grabando su segundo disco y prepara nuevo video clip. La próxima fecha del grupo será el 11 de mayo, a las 23. 30 en La Fábrica, Sarmiento 1710 (Lanus este).


TIPS PARA EL AMOR dirigido por Ezequiel Acuña. from chocho y vos on Vimeo.


Fuente: Suplemento Sí / Foto: Javier Kaplan / Video: Vimeo

Conversaciones con Daniel Melero

Daniel Melero es uno de las artistas y productores más autorizados e incisivos al momento de hablar sobre la cultura musical contemporánea. Desde los ’80s, su irrupción ha sido clave para el acercamiento del pop y el rock hacia las nuevas estéticas sonoras.


La conversación con Melero abordó distintas aristas: la reciente publicación de su disco “Supernatural”; la dicotomía entre Los Redondos y Soda Stereo; el rol del público; los nuevos formatos de reproducción musical; su pasión por Borges y el surrealismo; y su recuerdo a treinta años de Los Encargados. A continuación, una entrevista distendida y sin cortes con este paladín de la vanguardia.

- ¿Cómo fue concebir “Supernatural” en solo tres días?

- Ocurrió naturalmente. No estaba planeado el terminar de grabar el material en tres días. Lo que sí sabíamos era que íbamos a ir tres días al estudio. Realmente, no había que hacerlo más largo. Estaba ocurriendo bien y no había porque entrar en ese tipo de cosas que son como masturbaciones de seguir metido en el estudio sin ninguna necesidad ni ningún desarrollo de ideas. Éstas se concretaron muy rápido y muy bien. Después hubo muchos días de trabajo de casa y vía internet, entre nosotros, como “completudes”. En tal tema sería bueno cambiar una guitarra y Tommy grababa otra guitarra en su casa y me la mandaba por internet. Eso ocurrió, particularmente, en una canción que se llama “Tantas cosas”. Creo que había encarado mal la canción y la estaba forzando a que vaya a un lugar que el tema no quería ir y fue necesario revisar esas ideas.

- ¿Tuviste que elegir entre muchas canciones?

- No, en realidad, descarté una que era nada más que un esbozo, una idea. El material fue el que se grabó. Inclusive, algún tema duraba bastante más. “Por el río” era bastante más largo. En vivo suele alargarse pero en el disco sonaba redundante y no había necesidad de darle vueltas. Ya tenía una épica que venía de otra canción. Finalmente quedó más corto. Te soy sincero, me encanta que los discos sean breves. Como el CD no se da vuelta….hay una actitud con respecto a los vinilos –más allá de si se escucha bien o se escucha mal-, a un vinilo lo querés seguir escuchando cuando lo das vuelta. Hay una intencionalidad y hasta se renueva tu atención. En cambio, en los CD, la atención flaquea y sigue y sigue. Al ser breve, se produce otra sensación. Además, nos acostumbramos a tratar a las canciones como si fueran “links”. El skipeo continuo y como la música termina estando dentro de la computadora, todo el tratamiento es como si fuera un link. Un disco, al ser breve, invita mucho a la escucha completa. Da esa sensación. En un momento pensé en no ponerle “tracks” pero después dije no, era una molestia.

- Además, al tomar las canciones como links, se las descontextualiza de toda una obra que puede llegar a ser conceptual.

- Sí, por ahí sucede que tiene un concepto ya cerrado. Muchas veces, también, si la música la estás usando para hacer una búsqueda on line y la tenés de fondo, es interesante como concepto. Me preocupa el “skipeo continuo”; hace tiempo que no hago eso. Escucho discos completos, sino no los escucho. Trato de no escuchar discos que no me gusten enteros. Como oyente, tiendo a que me guste completo el disco; sino, rescato dos o tres canciones y me quedo con ellas. La gente está almacenando más tiempo de música que el que va a vivir. La cuestión de tenerlo….un poco fetichista, de saber que lo tenés pero nunca lo escuchas. Que exista el CD también esta pensado para una escucha de disco. Me sorprende al día de hoy que no esté mi disco on line. La gente sabe que estoy a favor de bajar la música de internet y casi no lo ves posteado. Un poco en You Tube…

- Que ahí está con la tapa del disco.

- Si, exacto, me extraña un poco, pero bueno.

- A próposito de las canciones como links, recuerdo que en la presentación del libro de Simon Reynolds en el auditorio de MALBA, comentaste que había una forma nueva de sonido que se había generado con la canción comprimida en un MP3, con una cierta “suciedad” que te interesaba bastante.

- Si, hay algo…inclusive me pasa con la música que no fue diseñada para eso, al comprimirse se levantan relieves que estaban atrás de las volumetrías. Entonces los discos empiezan a expresar algo completamente distinto a lo que la pista quiso decir. Incluso muchos discos mejoran así. Los discos que uno ama, como los discos de los Beatles, es otra música la que escucho. Me sorprende que haya gente que pague por escuchar a los Beatles en MP3. Una música que fue comprimida para que suene bien en un MP3 de 128 MB, cuando podrían pagar un dólar por uno de 360 o 320 MB. Lo pagan por una pedorrada! Los viejos discos de “ambient” son sorprendentes con todo esto. “Music for airports” lo escuchás en MP3 y se escucha algo que a mí me agrada cuando hay un piano, que son los pedales. Los movimientos estos estaban como enmascarados pero como ahora los subieron de volumen, lo igualaron a lo que estaba arriba. También se delatan procedimientos porque podés escuchar nítidamente que es un loop repetido a cinta porque se mueve todo. Es una alteración de la música que es valiosa. En la era de la portabilidad, tenes un aparatito con veinticinco mil millones de canciones y antes había toda una discoteca. Se pierde una cualidad y se gana otra. Las necesidades de la industria están recomponiendo los discos anteriores porque ahora mucha música es ultracomprimida y de tan comprimida, se termina distorsionando.

-¿Esto se da porqué el público cambió la forma de escuchar música?

- Exacto. Hay una idea del audio ahora que solo la conserva la gente que escucha música sinfónica, que saben que lo pequeño es pequeño y lo gigante es gigante. En general, el lenguaje imperante ya desde el disco es de una altísima compresión. Si mirás las canciones de un CD son una cosa negra y por ahí, es una balada. Eso lo evité mucho. Lo hice tanto en este disco como en los que me toca producir. Me interesa que haya mucho relieve porque es parte de la composición, sobre todo en un disco como este en el que los temas casi se disuelven en si mismo y vuelvan. Que se comporten como organismos y no tanto como máquinas.

-Tienen una cadencia especial…

- Sí, viste? Por ejemplo, en “Pequeño Aleph”, si todo sonase fuerte, perdería su gracia. Lo atractivo que hay es como una perdida del foco y volver, así la canción se va regenerando otra vez. Esto lo empecé a trabajar en un viejo disco mío llamado “Rocío”.


-El disco tiene una cierta impronta borgeana, no?

- Si pero fue ocurriendo. No me lo propuse. Digamos que si me tengo que llevar un libro a una isla desierta, me llevo “Ficciones” y no “El Aleph”. El tema “Tantas cosas” está basado en un poema de Borges llamado “Las cosas”. Yo no sabía de qué se trataba la letra. Tenía una cantidad de versos que los canté aleatoriamente y después fui recomponiendo la letra de lo grabado en una noche. Me encantaba que fuera algo disgregado. Me atraía de Borges eso de que las cosas son testigos de toda nuestra vida. Estás ahí, pensando que estás solo pero están las cosas, observándote. Me encantó esa idea, aunque no quedó tan impresa en el disco. Tengo un gran interés en Borges. De chico fui a verlo al Teatro Coliseo, en el ‘78. Era espectacular. Entraba al escenario y hablaba sobre la metáfora, tema en el que estaba trabajando. Básicamente siempre me atrajo…cuando escribió “Ficciones”, la idea del clon que él manifiesta, que tenía degradaciones –como el MP3, que era una copia y se degrada- . Mismo, en la era digital tenemos la degradación….Encontrándome en el presente, me asombró la imaginación desde el pasado y aquella vez. Cuando hablaba de la metáfora, decía que el aleteo de una mariposa puede producir una tormenta en otro lado. Este es un pensamiento absolutamente fractal, un campo que la matemática rechazaba. Con el tiempo, se que en Pringston, para recibirte de físico, tenías que leer a Borges. Leer “Ficciones” forma parte de la bibliografía y te hacen preguntas al respecto.

-Esa fue una de las mayores cualidades de Borges, ya que su obra fue incluyendo distintas aristas…

-…Sí, con un pensamiento abstracto. No soy de leer mucha ficción, pero sí “Ficciones” y Borges. También a Bioy Casares y he caído en la sección más baja de la literatura que es leer biografías. Ahora me compré un libro grande e inmanejable, que es el diario del día por día que hizo Bioy de sus encuentros y charlas. Siempre empieza con “14.30, llegó Borges”, jajajjajaa. Me fascina y me gusta mucho el sentido del humor. La gente piensa que era muy serio y acartonado y era un tipo lleno de humor. Todos ellos, de ese grupo, con las Ocampo…

-¿Cómo viste el acercamiento de Borges a la música? Tuvo una conocida fricción con Piazzolla…

- Sí, a mi me atrae y también considero a Piazzolla como un modelo que podía yo asumir. Más allá de tener otra tendencia u otro discurso, era ese largo plazo que él se fijo. Yo también me fijé en un largo plazo. Tuve que enfrentar dicotomías parecidas, si lo que hacía yo era rock o no, y ahí me di cuenta que, aunque no lo logres, cualquier tipo de intención de innovación acarrea siempre este tipo de cuestiones. Siempre me gustó la anécdota que contó María Kodama cuando Jagger se le acercó a Borges, y que a Borges le gustaban los Rolling Stones. Esos, además, eran los mejores Rolling Stones, los de esa época. Le gustaba “Satisfaction”. Es como para un programa de Capusotto. Jajajaja.

-Recién decías que fuiste motivo de dicotomías. ¿Sos más nombrado que escuchado?

- Posiblemente, sí. No me ofende tampoco. Me parece interesante. Ser como una carga conceptual por encima de los sonidos era algo que no me había propuesto pero es algo que de verdad me interesa. Particularmente, me interesa a donde me lleva la música en mi vida personal y creo que, inclusive, si no me escuchás pero más o menos, tenés una idea de mí, a los dos años, vas a tener una idea errónea! Jajaja. Hay un lugar donde también, pasa eso, si se trata de un lenguaje más que de la música –y la música es una consecuencia- es un lenguaje, un discurso que está en evolución. Me parece, me cuesta hablar de mí y parece que lo hiciera como en tercera persona….

-Como Borges!

- Sí, no? Jajjajajjajaja. Es probable. Tampoco es que hago una música difícil de ser escuchada. Simplemente se bombardea con otro tipo de cosas y otros intereses con los que, además, jamás hubiera podido cumplir y comulgar porque discrepo casi políticamente como se manejaba desde el comienzo, la industria discográfica, los productores y en general, también los músicos.

-¿El rock se volvió conservador?

- Si se volvió conservador, no es rock. Lo que pasa es que usamos las mismas palabras para cosas distintas muchas veces. Para mí, cuando el rock es rock, es arte. Después se convierte en géneros de música y eso, pero el rock en si mismo, es una cultura y no un género…

-O una contracultura….

-…o una cultura transversal….o alternativa….Ahí ya estamos casi en la teoría de los conjuntos, con los diagramas de Venn y los conjuntos con sus operaciones, como cuando íbamos a la primaria. Intersección y eso…pero estoy convencido, que si es conservador no es rock. Ahora que cosa es no ser conservador es algo que cambia todo el tiempo. No es que usar un jean roto y romper una guitarra no sea ser “conservador” llegado el caso…Por ahí, eso es ser conservador justamente! Hay momentos en que hay situaciones particulares. Hoy estaba mirando videos de una banda llamada Django Django y me encantó lo “normales” que eran. El look de ellos era de normalidad extrema. El corte de pelo lo puede tener un muchacho tímido. Saben una cantidad terrible y lo demuestran cuando tocan. Esta es una característica de la música del siglo XXI. Hay todo un recorrido en una sola canción, que está vinculado a ideas posmodernas pero con un sonido muy interesante. No se porqué pero te estoy hablando del grupo. Ah! porque ese es un grupo de rock que no es conservador, que tiene elementos de Hindemith. Otra banda que me parece muy interesante, que usa elementos que pertenecen a Steve Reich y toda esa corriente de música, son los Octopus Proyect. Su último disco parece uno de Steve Reich pero visto por rockeros. Ellos son exóticos y únicos. Creo que cada banda tiene que ser única. Si ya está inscripta en un sistema que es un género, que tiene una manera de vestirse, de peinarse y bueno, de todos esos, habrá uno que es buenísimo. Siempre tuve la impresión que de las vasijas coyas hubo una que estuvo realmente buenísima y después dijeron “hay que hacer esto”.

-Ocurre que las tendencias contraculturales son fagocitadas por el mercado y tomadas como un producto…

- La diferencia está inscripta desde el look. Todo es un look y todos tenemos un look. Todos tenemos una manera de manifestarnos, ya sea con la ropa, o con lo que sea. Esto, aunado a esa música –que tampoco es una música que te diría que está conformada por elementos que….¿que cosa tan innovadora puede haber en la música que sea el sonido o la falta de sonido..? Entonces, en medio de esa conformación, hay que ser muy inteligente. Es sorprendente que haya novedades todavía. No como producto recién lanzado, sino que es algo nuevo. Esta banda no existió antes. No es un género que existió al igual que Octopus Proyect o infinidad de otros grupos. La música son doce notas y todavía hay novedades!!


-¿El público puede condicionar la creatividad o la carrera de un artista?

- Puede…Las relaciones que uno entabla con las personas, sean públicas o privadas, alteran la manera que uno se comporta, para bien o para mal. Un artista….bueno, la palabra “artista” también es una palabra que está muy sobrevalorada. Es como si se fuese artista todo el tiempo. También hay una diferencia entre expresión y arte. A veces un artista termina solamente expresando algo y a veces hace una obra, que se puede considerar artística. El artista tiene que tener una integridad especial con lo que hace pero esto no quiere decir que por eso, no puede ser influenciado o condicionado. El problema es qué tipo de público generaste por el cual te dejas influenciar. Con qué cosas decidiste negociar para llegar a posiciones en la que sos dependiente de eso. Esto ocurre con el artista famoso porque a la fama te la dan y también te la quitan. No te pertenece la fama. La gente es dueña de la fama. Vos podés tener fama, pero el éxito es personal. Esa diferenciación es muy importante de tener en cuenta. En mi caso me siento un artista poco famoso; no muy famoso pero muy exitoso. Prefiero no ceder a ningún lugar de fama si voy a perder mi éxito. Estaría dispuesto a ser más famoso si mi éxito se conservara y lo pudiera manejar. Pero dada la fragilidad de mi estructura personal, tal vez, no lo resistiría físicamente. No digo que en la parte intelectual no lo pudiera manejar, pero es un trabajo las 24 hs al día el ser rock star. Y a mi me encanta el ocio! Gran parte de lo que hago proviene del ser ocioso.

-¡Como un surrealista!

- Claro! Yo no pierdo el tiempo, lo malgasto a mi modo. Para mi sería perder el tiempo el no malgastarlo a mi modo.

-¿Crees que la electrónica ocupa hoy el lugar contracultural del rock? Reynolds considera, que a diferencia del rock, la electrónica no tiene una exposición televisiva por su sistema de audio…

- Para mí, electrónica es la música de los años ‘40. Lo que ahora se denomina electrónica…

-Me refería a Can, The Kraftwerk…

-Para mí, Kraftwerk es tecno y es música electrónica. Dentro de lo electrónico, lo más moderno es el “Circuit bending”, la gente diseñando sus propios instrumentos, la implementación del arduino. Por ahí pasa la verdadera electrónica y no por el Kaoss Pad o esos aparatitos que son muy lindos, gadgets. Estos me parecen condimentos, aditamentos, como salsas para hacer música. Cuando pienso en electrónica, qué sería lo actual, el lenguaje es el “Circuit bending” y parece la zona más ajena de exposición respecto a la música electrónica “establecida” en los `90. Kraftwerk es un universo aparte. El Kraut Rock tiene infinidad de grupos en la década del ‘70 donde cada uno es de un modelo único. No hay ninguna duda que el mejor rock del mundo estaba en Alemania. Nosotros nos estábamos entreteniendo con Yes y King Crimson o con Bowie – que sabían perfectamente lo que estaba pasando en Alemania- y Brian Eno, que sabía que Can era la mejor banda del planeta. Estas bandas alemanas tenían un look que no caía bien del todo. Ya había venido el glam y estábamos viendo músicos como caídos de un plato volador hecho por reyes. En cambio, estos eran como unos hippies tardíos, pelo largo y sandalias; no gustaba. Nos habían formado un gusto que tuvo orígenes muy buenos.

-¿Se están cumpliendo treinta años del comienzo de los Encargados, no?

- Si, en el 82, debutamos en B.A.Rock.

-Imagino que te lo habrán preguntado millones de veces, ¿pero cómo recordás ese comienzo?

- No; me lo preguntan poco, salvo en los últimos meses. Nosotros nos divertimos mucho ese día. Sabíamos que era el único camino. Éramos controversiales y fuimos más controversiales ese día. Tan controversiales que con solo vernos, sabían que eso no iba…Vos imagínate, para que la gente te tire su almuerzo, para que un hippie te tire su almuerzo, es mucho! Fue muy violento pero fue más violento cuando tocamos en La Falda. Eso sí que fue violencia pura y ahí hicimos el show entero.

-Había pocas propuestas en esa dirección….

- Sí, sí pero teníamos un poco de difusión radial. Salí al escenario y eran cinco mil personas de pie gritando “¡¡Puto, puto!!” y acertaban con todo lo que tiraban. Todo lo que tiraron, me pegó.

-Hace un par de años, lo vi a Leo García que pasó por lo mismo cuando tocó antes de Los Ratones Paranoicos y Pappo dentro del marco de un festival…

- Si, la misma situación. Además, no hay nada más gay que un show de heavy metal. O sea, cuero, todos sudando juntos, un universo de cuero….medio sado….

-Como con Depeche Mode.

-Sí, pero en los recitales de Depeche Mode, hay chicas, en los de heavy metal, no! Jajaja.

-¿El público es inimputable?

- Ahí ya entramos en la política más amplia. La falta de educación lleva a este tipo de situaciones. Educación es que te enseñen a pensar por vos mismo y no seas una masa. Para mí, miles de personas con una sola reacción, todas dirigidas e iguales, siempre estarán equivocadas.

-¿Pero esa reacción no está estimulada por los músicos?

- Absolutamente. Los músicos forman parte de esa sociedad sin educación. No es que hay una distancia en la que el músico es “el” educado. Somos todos parte de eso. Después, por pequeñas cosas que hacen que cada uno sea diferente, asumimos distintos intereses en la vida. Hay gente que asume solo los intereses que en su entorno se supone que debe asumir.

-Puede ser que la excepción sean Los Redondos, con un público un tanto ‘turbulento’ y con los músicos sin tanta influencia sobre esas reacciones del público….

- Si, puede ser que lo decís, pero en general son grupos con canciones dedicadas a la borrachera. “Voy a cuidar de mi amorcito que mordió el vidrio por demás otra vez”. Hay una cuestión cultural de estar en pedo… y el show del rock. Para mí, hay cierto grado de elaboración del discurso y una fineza en la música con Skay pero igual creo que, por ejemplo, cuando toqué en BARock, Riff tenía el concepto de las “brigadas metálicas”. ¡¡Todavía había milicos y ellos hablaban de las brigadas metálicas!! ¿Que hacen? ¿Secuestran gente? ¿Son parapoliciales? Los Redondos lograron algo así y también Soda pero no tan bardero. Es otra clase social aunque no por ser de otra clase social signifique que haya más educación. Solamente hay otro tipo de sensibilidades. Educación es poder tener autocrítica y no saberse cual es la capital de Finlandia, que sería mi modelo a seguir. ¿Qué estudian en Finlandia y cómo? ¿Cómo es la forma de un aula? Que no exista frente, lo cual es sensacional ya que implica que no hay que mirar de manera predeterminada, todo el tiempo, es fundamental para como vas a pensar en la vida.

-¿A vos te agarró, como le pasa a muchos músicos, el deseo de querer regrabar su obra?

- Grabé “Piano” y me divertí mucho. Lo hicimos en veintidós horas y media ese disco. Son todas canciones que me encantaba tocar. Una vez hice otro que acá se llama “M” que se iba a editar en Chile pero después terminó saliendo acá. Era algo que ni siquiera me lo pregunto. Por ejemplo, “Silencio” lo vengo escuchando desde que salió y el mismo día que salió, me di cuenta que no me gustaba la mezcla. Ahora, el disco es lo que es por esas mezclas que a mi no me gustaron. Ahora ya lo observo con todos los errores que supe cometer en ese período. Se supone que éramos una banda de vanguardia y tiene todas las cargas de la época. Con suerte, el disco era contemporáneo, pegando en el poste. El asunto era que, como había mucha música retrograda, nosotros quedamos como los modernos pero no era tan así. Era, más o menos, lo que había que hacer. Tal vez, en ese error de que no me salió, tiene las diferencias que se escapan de esa carga histórica.

-El hecho de haber grabado “Supernatural” en tres días y que el disco sean de poca duración, es como una contracara de aquellos músicos que tienen estudios en sus casas y no saben cuando dejar de incorporarle arreglos?

- Puede ser eso, pero también pude grabar en tres días porque estuve rodeado de los artistas de los que estoy rodeado. No estoy rodeado de músicos, sino artistas. Entonces es gente con gran capacidad de elaborar ideas que, en un punto, yo administro, tratando de ser parte de ellos. En esta interacción se hizo mucho más rápido. En cambio, uno solo, con su mente… a veces tu mente puede ser tu peor consejero. Acá entran condicionamientos muy diferentes, gustos distintos que aprenden a confluir en una cosa nueva. Nosotros no fuimos con el disco sabido al estudio sino que lo fuimos a construir y los construimos rápido. Es la fórmula que solo lo pude hacer porque estoy con quien estoy.

-Volviste a sentirte parte de una banda?

- Si, sabés que sí? Desde Los Encargados, es la primera vez que tengo un grupo, en el que componemos todos.

-Esa diferencia se siente en las canciones, sobre todo en relación a discos como “Tecno”…

- Si, pero incluso, si agarrás mis discos más de canciones, son muy distintos. Se nota que son discos míos pero somos más un grupo de artistas que utilizamos mi marca. Sería la marca más establecida entre todos nosotros. De hecho todos tienen proyectos transversales. No hubiera existido este disco de otra forma. O hubiese sido otro disco. No son músicos que me acompañan. Diferimos y eso es lo que me atrae y me interesa mucho.

 
Fuente: WWW.Rock.Com.Ar / Fotos: Estudio Hormiguero

Attaque: “Este país nos obliga a ser adolescentes y rebelarnos”

Las palabras de Mariano Martínez resonaron en el auditórium del Hotel Bauen, desde hace unos días denominado “Abuelas de Plaza de Mayo”. Justamente en la presentación del mismo, Attaque 77 mostró su nuevo videoclip “Memoria”.

Attaque, acústico en el Bauen
La banda, hace tiempo, muestra su apoyo a los trabajadores del hotel que recuperaron hace 8 años su fuente de trabajo y hoy se encuentran esperando la expropiación que regularice su situación. Con el Bauen nos sentimos muy cerca de ellos; desde que empezaron con esta lucha la tomamos como propia. La lucha de las Abuelas la estamos haciendo todos. Todos estamos acompañando esa causa, es la causa de todos. No nos pone un lugar específico ni especial. Simplemente como todos los argentinos, tenemos que apoyar y acompañar a las Abuelas. Y deberíamos apoyar y acompañar la causa del Bauen, independientemente de cualquier bandera política”, reflexiona el guitarrista, haciendo referencia a la presencia de las Abuelas de Plaza de Mayo en el lugar. Es una ensalada de emoción”, agrega.

Además contó sobre el próximo disco de la banda, grabado en vivo, los cambios ante la partida de Ciro Pertusi y su mirada de la política nacional.

¿En qué momento se encuentra Attaque?

Estamos mezclando el disco acústico, que hicimos en noviembre del año pasado en el Teatro Ópera. Estamos en la última etapa, saldrá a la venta en un par de meses. Hay una intención de que esto genera una gira, en la que podamos mostrarlo por distintos lugares. A la vez, estamos tocando de gira. En algunos lugares seguimos todavía presentando el disco “Estallar”, como en Brasil donde estuvimos hace poquito. Y en algunos lugares presentamos discos anteriores. Ahora vamos a Bolivia. En medio de eso componiendo siempre, trabajando en el estudio. Haciendo de todo, todo el tiempo.


¿Cómo decidieron hacer este show acústico?

Es una idea que fue madurando con el tiempo. Muchos de los artistas que nosotros admiramos lo hicieron, desde ese lugar ya te hace pensarlo por lo menos. Nos hicieron falta años para sentir que estábamos en ese punto, madurar de alguna manera: aprender a tocar, sonar bien, entender que lo bueno de nuestras canciones podían resistir a distintos formatos. A partir de ahí, hicimos un balance y nos dimos cuenta que nos falta hacer eso y empezamos a planearlo. Se fue armando y decidimos mostrarlo porque estaba realmente bueno. El acústico te expone mucho más, la voz está mucho más expuesta. Era una forma de obligarnos a mejorar. Era una especie de desafío para tocar mejor, tocar distinto. Bajar el volumen para nosotros es importante, porque nosotros venimos de años de tocar al palo. Era todo un desafío demostrarnos que podíamos hacer algo así. Es una forma de aprender a tocar el instrumento de otra manera. Nos ayudó a cantar mejor también. La experiencia nos tenía que servir para ser mejores músicos. Estamos muy orgullosos del resultado. Ahora falta que lo vea la gente. Realmente creo que nos representa muy bien.

¿Cómo fue la respuesta del público?

Fue muy buena, muy emotivo. Las versiones de las canciones fueron muy distintas, las cambiamos bastante; entonces a medida que iban empezando los temas la gente no se daba cuenta qué canción era hasta que yo empezaba a cantar. Eso estaba muy bueno porque percibía la reacción de la gente con sorpresa. En YouTube hay circulando un video de lo que sucedió en el hall del teatro, cuando la gente tenía que irse. Hay unas imágenes del hall del Teatro Ópera con la gente ahí, sin querer irse, amontonándose, que es muy pero muy emotivo. Ese es uno de los momentos más arribas de nuestra carrera.

Musicalmente, ¿qué cosas cambiaron siendo un trío?

Creo que el grupo empezó a sonar más potente, al revés de cómo pensábamos en algún momento. Nosotros creíamos que sumando una guitarra, le íbamos a dar más contundencia. Y en realidad era un ruido quilombero lo que hacíamos. Al volver a ser una guitarra, el grupo golpea más fuerte. Es como que suena con más calidad y más contundencia. Se volvió a un sonido un poco más primitivo, algo así como lo que hubiéramos hechos en nuestros primeros discos si hubiésemos sabido tocar. Nos pusimos mucho las pilas en estos cuatro años, nos pusimos mucho a tocar, a canalizar esta situación para el lado del aprendizaje, para que el grupo suene mejor. Lo hemos logrado. Años atrás no lo hubiésemos podido hacer, éramos más chicos y teníamos menos experiencia y nos poníamos menos de acuerdo. Ahora parece que la cosa fluye mejor.

Siempre han dicho cosas importantes en sus letras y se han involucrado políticamente, ¿cómo ven la situación hoy?

En mi caso particular, el grupo es mi forma de comunicarme. Yo no se comunicarme de otra manera, creo que es la mejor manera de representarme para el afuera. El grupo habla en sus canciones de un montón de cosas: de cambios a nivel personal, letras de amor, de desamor, letras que tienen que ver con una temática más social, con nuestra forma de verlo. Este es un país que nos obliga a ser adolescentes y a rebelarnos siempre. Hay mucho por hacer, muchas cosas que cambiar y muchas cosas por mejorar. Nuestra forma de colaborar es ésta, haciendo música y tomándonos eso como un aporte para el cambio de nuestra sociedad. Sin dudas, esta sociedad ha crecido y mucho, pero tenemos que seguir mejorando, aprendiendo a relacionarnos de una forma menos precaria. La realidad de hoy muchas veces nos obliga a rebelarnos, muchas veces nos obliga a festejar. Transmitimos todo eso en los discos.


Próximas fechas de Attaque 77
Viernes 27 de abril: XLR, San Miguel, Buenos Aires (con Jordan y Cirse)
Domingo 29 de abril:
Kavul, Virrey del Pino, Buenos Aires
Viernes 4 de mayo:
Tedeum, Zarate, Buenos Aires (con El Bordo, Jordan y Salta La Banca)
Sábado 5 de mayo:
Teatro Opera, La Plata, Buenos Aires, (con Léxico y El Sótano)

Fuente: www.rock.com.ar / Foto: Web / Videos: YouTube.

"Gracias por todas las pastillas que me dieron"

Charly García, irónico en la presentación del box set 60x60.


El músico presentó su nuevo disco llamado "60x60". Se trata de un box set que contiene 3 DVD con más de tres horas de conciertos grabados en Alta Definición, además de 3 CD con audio de los recitales, un libro con fotos y un poster.

La presentación la hizo junto a su banda The Prostitution (integrada por Cristine Brebes, Julián Gándara, Carlos García López, Carlos González, Kiuge Hayashida, Rosario Ortega, Fernando Samalea, Toño Silva, Alejandro Terán y Fabián Von Quintiero) y con su gran amiga Graciela Borges, en el barrio de Belgrano, donde fue presentado, nada más y nada menos, que por Juan Alberto Badía.

Luego de nombrar uno a uno a los integrantes de la banda, Charly respondió algunas preguntas de la prensa. "Me siento bien, los 60 me rejuvenecieron de alguna manera y me hacen acordar a los años 60, que fue una de las épocas más divertidas para algunas. Por eso puse 60 temas y todo gira con el 666".
 
"En un momento esto era una obra pobre en construcción, fue un edificio alto de 60 pisos, lo tuve que arreglar y lo hice en un estilo de neoclasisimo, polirritmo y minimalismo, ahora que lo terminé me siento orgulloso y satisfecho", dijo sobre su nuevo material. 

"No sé si me morí y no me doy cuenta y esto es la muerte, hay tantas cosas raras que se dicen, yo creo que no me morí nunca. Le mando un saludo a la clínica, gracias por todas las pastillas que me dieron, los chalecos de fuerza y los grupos de autoanálisis", ironizó el cantante sobre lo que vivió desde que en 2008 inició un tratamiento de desintoxicación.

Finalmente, destacó cómo le gusta que lo nombren: "Yo llamaba dinosaurios a la Triple A, a los militares, pero no sé si me gusta que me digan dinosaurio, me gusta que me digan Charly".

video

Fuente: TeleShow.Com / Foto: Web.

N.D.I.: “Hay que rescatar la esencia original del hardcore”

No Demuestra Interés fue una de las bandas emblema de la resistencia hardcore en los años ’90s. Junto a Fun People, Eterna Inocencia y Loquero lograron ser reconocidos como parte importante de la escena nacional del hardcore punk. Ahora, dieron inicio, el sábado 14 en Niceto Club, a su Gira del Fin del Mundo, que contará con presentaciones en varias provincias de Argentina, Chile y Uruguay.


¿Por qué desapareció la Buenos Aires Hardcore?

La idea inicial con la que comenzó la BAHC fue la de generar la apertura y expansión de la escena a partir de la apertura de pensamientos. A medida que se fue dando ese crecimiento se empezó a limitar la diversidad de público, esto generó que el hardcore era sólo para el hardcore, perdiéndose así la idea inicial.

¿Por qué creen que el hardcore no es un género fomentado en Argentina?

Porque es muy crudo y está a mitad de camino entre el punk y el metal. No llega a ser tan pesado como el metal pero es demasiado duro para el punk rock.

¿Qué fue lo que hizo que quisieran volver a tocar?

Siempre tuvimos esa idea y el paso del tiempo atentaba contra eso. Finalmente, una serie de llamados decisivos logró el primer show y a partir de ahí la maquinaria ya estaba funcionando y decidimos seguir, por lo menos, por un disco más.

¿Se sienten una banda de culto?

No, pero sí entendemos que la banda ha marcado un estilo, un momento y una ideología; y creemos que es un buen momento para afianzar esos valores, más allá de la banda en sí.

¿Cómo fue volver sin Adrián?

Muy duro porque la idiosincrasia del género es complicada y a veces parece que se debe criticar todo olvidando el fundamento, olvidando el concepto de grupo. Fuera de esto, para nosotros siempre ha sido difícil cuando un integrante se va. Pero la vida y la flexibilidad permiten a la gente y las ideas crecer. Tenemos una muy buena relación entre nosotros y con Adrián en particular.

¿Cómo se llevan con las críticas que dicen que deberían cambiarse el nombre?

Quizás deberíamos hacer lo que hacen otros cantantes, que se van para formar una banda propia, pero que después hacen las canciones famosas de su grupo anterior para intentar atraer público. Para nosotros es más loable ser la banda que creó las canciones pero que cambió un integrante.

¿A qué responden esas críticas?

Nosotros tocamos porque queremos. Al que no le gusta que no venga a vernos y punto. Evidentemente, nos ponen en un lugar de mucha importancia porque necesitan criticarnos. Estamos todos los integrantes que estuvieron en N.D.I., salvo el cantante.

¿Cómo piensan que va a ser recibido Eduardo Herrera?

Muy bien, porque quienes vayan a los shows son los que realmente forman No Demuestra Interés. Nosotros sólo somos el motivo para reunirnos con amigos.

¿Qué cambios vieron y vivieron en estos 20 años?

La escena se incrementó, aumento la variedad de bandas, se originaron sectores con grupos de bandas de un subestilo. Todo eso ahora hay que juntarlo y rescatar la esencia original. 

¿Van a presentar temas de lo que será el nuevo disco en la gira?

Sí, nuestra idea es ir presentando temas nuevos en los shows durante este año.

¿Qué lugares tienen confirmados para esta gira que arranca?

Argentina, Chile y Uruguay en primera instancia. Después existe la posibilidad de Perú, Colombia y Brasil.

¿Con qué se va a encontrar el público?

Con buena gente y un espacio para hacer fluir la energía positiva. Mucha furia, pero de la buena.

Fuente: www.rock.com.ar / Foto: www.rock.com.ar

Panza: tiempos de rock en La Trastienda

En medio de la semana, Panza se presentó en La Trastienda. Luego de tocar en el ND/Ateneo el año pasado, continúan por la senda de los shows un tanto más convocantes, con una gran respuesta de su público.


Algunos minutos después de las 21, el piso comenzó a vibrar con la guitarra de Sergio Álvarez, la batería de Augusto Urbini y el bajo de Franco Barroso. Y la voz de Mariana Bianchini, obviamente. Las cabezas empezaron a asentir y los pies marcaron el ritmo de “Lo Mejor y lo peor”, “Callate nena” y “Que me vengan a buscar”.

Siguieron “Electroshock” y “El amor y las tormentas”, ambos pertenecientes a “La madre de todos los picantes”, disco triple editado en 2010. La voz de Bianchini, esa mezcla agradable entre dulce, rockera y potente, le puso letra a “Maestro miseria”, “Triple X” y “Cuernoenpanza”. Por momentos tomaba su megáfono y jugaba con él; por otros, usaba los gritos guturales, dándole una excelente tonalidad a sus canciones.

Cerca de la mitad del show, el cambio de vestuario se hizo presente en el escenario. Bianchini sacó su remera rayada con el “Tu peor pesadilla pop” en su pecho. Como no serlo con ese rock potente que Panza presenta en cada uno de sus discos, reflejado también en sus shows en vivo. “DNI”, “Infanticidio” y “Mundo rock” llevaron al concierto a su punto máximo.

Para el final quedaron “Pop Star”, “Nadie baila solo en Bali” y “Panza”. Con un cierre a puro pogo y brazos en alto y un aplauso eterno despidió a los cuatro “panceros” abrazados sobre el escenario. Las luces de La Trastienda se encendieron con la promesa de un pronto reencuentro entre el rock más potente de Panza y su público fiel.

Fuente: www.rock.com.ar / Foto: Cecilia Blasco.

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